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Eingeflochten in die Karfreitagsliturgie, erklang vor 292 Jahren in der Leipziger Thomaskirche ein Werk zum ersten Mal, das uns heute als musikalisches Kunstwerk unvergleichlicher Größe gilt: Bachs „Matthäuspassion“. Kurz vor Ostern ist sie unter Martin Haselböck wieder im Großen Musikvereinssaal zu hören. 

Es gibt Heiligtümer in der Musik – und Bachs „Matthäuspassion“ zählt zweifellos zu ihnen. Als „das heiligste Kirchenwerk der Deutschen“ galt sie dem Bach-Forscher Arnold Schering, und dies ist nur einer von vielen Superlativen, die sie begleiten. Ihr Eintritt in die Musikgeschichte ging nicht vor sich wie bei anderen großen Musikwerken, die zunächst umstritten waren und schließlich ihren dauerhaften Platz in der Gunst des Publikums erringen und behaupten konnten. Denn als die „Matthäuspassion“ 1727 in der Leipziger Thomaskirche zum ersten Mal aufgeführt wurde, stand keineswegs zur Diskussion, ob sie dem Publikum „gefiel“ oder nicht – sie war ein Teil des Gottesdienstes, der Karfreitagsliturgie, der sie diente und hinter die sie als Kunstwerk zurücktrat.  Dennoch sind wir versucht zu fragen: Erkannte nicht wenigstens der eine oder andere Gottesdienstbesucher von 1727, dass er hier Zeuge eines außerordentlichen Ereignisses wurde, dass hier erstmals ein musikalisches Kunstwerk von unvergleichlicher Größe erklang? Wir wissen es nicht, jedenfalls manifestierten sich diese Zeitzeugen nicht. Auch spätere Aufführungen zu Bachs Lebenszeit, darunter eine im Jahr 1729, hinterließen keine nennenswerten Spuren. 

Verwandelte Musikszene

Eine völlig verwandelte Musikszene finden wir 1829 vor, als Felix Mendelssohn Bartholdy das große Werk vermeintlich hundert Jahre nach der Erstaufführung (in Wirklichkeit waren es 102 Jahre) durch seine vielbeachtete Wiederaufführung in das öffentliche Bewusstsein bringt, in dem es seither seinen Platz behauptet. Sicherlich ist die fulminante „Wiederentdeckung“ der „Matthäuspassion“ der Muster- und Vorbildfall zahlloser Renaissancen älterer Musik, die mehr oder minder erfolgreich Vergessenes erneut in den Blickpunkt rücken, wobei – die Vermutung sei gestattet – romantische Sehnsüchte mitspielen mögen: Wie schön ist doch die Vorstellung, in alten Truhen fänden sich Werke von unsterblicher Größe, die unerkannt und vergessen ihrer Wiederentdeckung harren!  Die musikhistorische Wirklichkeit ist etwas profaner, denn immer wieder stoßen wir auf die erstaunliche Tatsache, dass bereits die Zeitgenossen ein feines Empfinden für Qualität hatten und sich mit ihrer Rangvergabe kaum irrten. 

Übertroffene Erwartungen

Warum war dies dann bei Bach anders? Nun, ein schärferer Blick auf die Details lässt auch hier den historischen Verlauf differenzierter erscheinen. Bach war zu seiner Zeit kein Unbekannter, und gerade „Insider“ waren sich der hohen Qualität seiner Kompositionen durchaus bewusst. Immerhin drang sein Ruf bis zu Friedrich II., der das Spiel des „alten Bach“ hören wollte und ihn 1747 zu sich nach Potsdam einlud, wo der Komponist die Erwartungen des Preußenkönigs noch übertraf und Begeisterung auslöste.  Dieser Ruf, der nach Bachs Tod fortlebte, betraf aber vor allem den Instrumentalkomponisten, den man als Meister des Kontrapunkts auch in der nun herrschenden Epoche des „galanten Stils“, der einfachen, liedhaften Melodik, weiterhin schätzte und bewunderte. In Carl Friedrich Cramers „Magazin der Musik“ von 1783 wird über den zwölfjährigen Ludwig van Beethoven berichtet: „Er spielt sehr fertig und mit Kraft das Clavier, ließt sehr gut vom Blatt, und um alles in einem zu sagen: Er spielt größtentheils das wohltemperirte Clavier von Sebastian Bach ...“ Bach zu schätzen war die Sache von Kennern und Liebhabern, und zu diesen zählte auch Gottfried van Swieten, zur Zeit Mozarts Präfekt der Wiener Hofbibliothek, der den 1781 nach Wien übersiedelten Mozart jeden Sonntag zu sich einlud, wobei ausschließlich Musik von Bach und Händel gespielt wurde. 

Starke Reduktion

Älteren Musikfreunden sind wohl die „monumentalen“ „Matthäuspassionen“ unter Herbert von Karajan oder Karl Richter noch gut in Erinnerung, doch ab den siebziger Jahren des 20. Jahrhunderts ändert sich das Klangbild in barocker Musik im Allgemeinen und in Bachs Passionen im Besonderen grundlegend: Die Originalklangbewegung, für die hier bloß die prominenten Namen Gustav Leonhardt, Nikolaus Harnoncourt und Martin Haselböck stehen mögen, setzt auf stark reduzierte Chöre, auf Originalinstrumente, auf vibratoloses Spiel der Streicher, auf Transparenz – es ist ein völlig neues Bach-Erlebnis, das nunmehr bereits Generationen von Musikhörern prägt.  Zweifellos klingt Bach nun intimer, gleichsam holzschnittartig und authentisch – doch gerade dieser Begriff verdient in seinem Alleinvertretungsanspruch ein kleines Fragezeichen. Denn so unbestritten das Bemühen um die Restauration des originalen Klangbildes der Bach-Zeit ist, so wenig sind die Hörer, die es heute aufnehmen, mit dem Hör-Horizont von 1727 kompatibel, dem die Formung durch Klassik und Romantik, durch Mahler und Schönberg fremd war und sein musste.

Spürbare Aura

Über alle Brüche der Überlieferungs- und Aufführungsgeschichte hinweg hat sich jedoch die „Matthäuspassion“ ein grundlegendes Element bewahrt: die Berührung durch wahrhaft „große Musik“, als die wohl auch Bach selbst sein Werk ansah, das er durch eine besonders sorgfältige Partiturniederschrift der Nachwelt anvertraute. Noch immer ist die Aura zu spüren, die Eduard Devrient bei Mendelssohns bahnbrechender Aufführung erlebte: „Nie habe ich eine heiligere Weihe auf einer Versammlung ruhen gefühlt, als an diesem Abend auf Musicirenden und Zuhörern.“ 

Thomas Leibnitz   

Dr. Thomas Leibnitz ist Direktor der Musiksammlung der Österreichischen Nationalbibliothek in Wien.